ICELAND: Artists Respond to Place focuses on the rich and complex relationship of contemporary Icelandic artists to the singular geography of their country - one of the most geologically dynamic places on earth. The exhibition features 11 of Iceland’s leading contemporary artists whose works cover a broad range of formal approaches and media, including painting, photography, sculpture, site-specific wall drawings, and video installations.
Icelandic artists are attuned to perpetual environmental flux, to physical changes in the land brought on by shifting geologic plates and volcanic eruptions, and the alternating solar rhythms of summer’s unending daylight and winter’s unsparing darkness. They have a heightened awareness of the environment as a dynamic, living entity – a place of extremes and dualities. With its fiery volcanoes, glacial ice caps, powerful waterfalls, and unpredictable, often-violent atmospheric conditions, the austere, beguiling landscape of Iceland functions as muse and material for many Icelandic artists.
ICELAND: Artists Respond to Place features the work of Birgir Andrésson, Guðrún Einarsdóttir, Olafur Eliasson, Georg Guðni Hauksson, Einar Falur Ingólfsson, Guðjón Ketilsson, Eggert Pétursson, Ragna Róbertsdóttir, Egill Sæbjörnsson, Katrín Sigurðardóttir, and Þórdís Alda Sigurðardóttir.
The exhibition is curated by Pari Stave and organized by the Katonah Museum of Art. Stave is an independent curator based in New York. Her recent exhibitions include MUNCH | WARHOL and the Multiple Image (Scandinavia House, 2013; co-curated with Patricia G. Berman); New Wave Finland: Contemporary Photography from the Helsinki School (Scandinavia House, 2013; co-curated with Timothy Persons); and the exhibition Magnetic North: Artists and the Arctic Circle(1285 Avenue of the Americas Art Gallery, 2014). From 2011-2013 she served as Consulting Curator for Scandinavia House/The American-Scandinavian Foundation.
Iceland: Artists Respond to Place / English
News item about the Iceland: Artists Respond to Place show
Get a glimpse into Iceland through an artistic lens as 11 contemporary Icelandic artists exhibit works that showcase their relationship to the geography of their unique country. With an opening reception this evening (from 7 to 9 p.m.), the exhibit -- featuring painting, photography, sculpture, site-specific wall drawings and video installations, among other media -- runs from Friday through Jan. 10 at the Scandinavia House.
Iceland: Artists Respond to Place / English
Review of the show Iceland: Artists Respond To Place in L Magazine:
ICELAND: ARTISTS RESPOND TO PLACE
Scandinavia House, 58 Park Avenue at 38th Street, through January 10th
Relatively small and somewhat obligatorily sparsely populated, the landmass and nation a bit misleadingly referred to—per geopolitical lore of yore—as Iceland is a place with more than its fair share of terrestrial curiosities, seasonal extremes, atmospheric splendor, and visually bewildering geological wonders. No wonder, then, that artists working in all types of mediums and expressive modes seek to somehow harness and convey some of this charmed terrain’s most alluring aspects. The show Iceland: Artists Respond to Place—a special group exhibit featuring the work of Egill Sæbjörnsson, Katrín Sigurðardóttir, Olafur Eliasson, Georg Guðni Hauksson, Einar Falur Ingólfsson, Birgir Andrésson, Guðrún Einarsdóttir, Guðjón Ketilsson, Eggert Pétursson, Ragna Róbertsdóttir and Þórdís Alda Sigurðardóttir—pays testimony to such creative tendencies with a range of chromatically, topographically, even materially appropriative, largely turf-reflective pieces. One might say that these artists’ homeland is their muse, but it might be more accurate to call it their palette. The island itself, after all, is rather shaped like one.
Paul D'Agostino | L Magazine | 12/30/2014
Snertipunktar / Sýningarskrá
Sýningarskráin Snertipunktar er komin út og seld á kr. 2.500.- í safninu. Líka hægt að panta og fá sent. www.listasafnarnesinga.is
Snertipunktar / Íslenska
Umfjöllun um sýninguna Snertipunktar í Fréttablaðinu og á Visi.is
„Gestir hafa sagt sýninguna vera bæði skemmtilega og margslungna enda hefur þeim gefist tækifæri til að taka þátt í sumum verkanna.“
Þetta segir Inga Jónsdóttir, safnstjóri Listasafns Árnesinga að Austurmörk 21 í Hveragerði, um sýninguna Snertipunkta sem samanstendur af verkum sjö íslenskra myndlistarmanna.
Þeir eru Anna Eyjólfsdóttir, Birgir Snæbjörn Birgisson, Helga Hjaltalín Eyjólfsson, Helgi Þorgils Friðjónsson, Ragnhildur Stefánsdóttir, Þórdís Alda Sigurðardóttir og Þuríður Sigurðardóttir.
„Allir listamennirnir eiga það sameiginlegt að hafa verið virkir í íslensku listalífi og jafnframt skapað sér vettvang erlendis,“ segir Inga.
Dr. Margrét Elísabet Ólafsdóttir, list-og fagurfræðingur, er sýningarstjóri Snertipunkta. Hún mun ræða við gesti um verkin þar á sunnudaginn, 31. ágúst, klukkan 15 en sýningin stendur til 14. september.
Listasafn Árnesinga er opið alla daga milli klukkan 12 og 18.Aðgangur er ókeypis og góð aðstaða er fyrir börn.
Skemmtileg sýning og margslungin | Menning | Visir.is / Fréttablaðið - 29.08.2014
Stolnar Fjaðrir / Stolen Feathers
English version below
Texti úr sýningaskrá sýningarinnar Stolnar Fjaðrir eftir Jón Proppé:
Þórdís Alda og sögurnar í hinu smáa
Heill skógur af trjám úr ryðguðu járni og ryðgaðar flækjur af járni á gólfinu eins og rætur. Laufhaddur trjánna – ef svo má að orði komast – er gerður úr dagblöðum, lopapeysum og sokkum. Allt er þetta kunnuglegt en sam hengið framandi og upp úr skóginum stendur svo logandi viti eins og til að vísa okkur veginn. Efni af þessu tagi – föt, gömul straujárn, sokka, ryðgað járnadót – hefur Þórdís Alda lengi notað í skúlptúra sína og innsetningar. Þetta eru oftar en ekki hlutir af því tagi sem við umgöngumst og notum daglega án þess að gefa þeim mikinn gaum nema út frá notagildi þeirra. Við göngum til dæmis í sokkum, þvoum þá og göngum frá þeim í skúffu, aftur og aftur í hverri viku alla ævi, án mikillar umhugsunar; sokkar eru svo ómerkilegir að þegar á þá kemur gat hikum við varla við að henda þeim.
„Ég vinn út frá þessu smáa sem umlykur okkur,“ sagði Þórdís Alda í við tali árið 2004. Efniviður hennar er þessir hversdaglegu hlutir sem fá ein mitt merkingu af því við erum alltaf að stússa með þá án þess að hugsa mikið um það og þeir verða eins og samgrónir okkur án þess að við tökum eftir því. Í ryðskóginum, líkt og í mörgum eldri verkum sínum, safnar Þórdís Alda slíkum hversdagshlutum saman svo allt í einu verður til heil undraveröld og af mótsögninni blómstra allt í einu fram flóknar mynd líkingar og óvænt, ný sjónarhorn.
Þórdís Alda Sigurðardóttir lærði myndlist í Myndlista og handíða skólanum í Reykjavík og við myndlistarakademíuna í München á níunda áratugnum og hélt sína fyrstu einkasýningu árið 1987. Á þeim tíma var mikil gróska í skúlptúr á Íslandi, ekki síst vegna tilrauna sem íslenskar listakonur höfðu verið að gera þar sem þær notuðu m.a. textíl í bland við
ýmislegt annað efni, bæði náttúrulegt efni og fundna hluti úr hversdaglegu umhverfi okkar, gjarnan með tengingu við umhverfi og störf kvenna. Þessi aðferð virðist hafa hentað Þórdísi Öldu og í verkum sínum kannar hún möguleika efniviðarins, merkinguna sem verður til í hversdagslegri um gengni og myndlíkingarnar sem geta sprottið fram þegar hlutirnir eru settir í nýtt samhengi eða fá ný hlutverk.
Merking verkanna verður í senn persónuleg og undarlega almenn því úr efnivið sínum getur Þórdís Alda búið til ótal sögur og tekist á við ólík legustu viðfangsefni, hvort sem er persónuleg eða pólitísk. Það eru oft hversdaglegustu hlutirnir sem segja á endanum mest um líf okkar og sögu. Á sýningu sinni í Ketilhúsinu veltir hún upp ýmsum spurningum og líkt og oft áður tengir hún þær persónulegu umhverfi sínu og lífi. Hér birtist listakonan meira að segja sjálf á myndum sem teflt er saman við myndir af dýrum í útrýmingarhættu. Þessi samsetning er ótrúlega ágeng og ögrandi: Hættan er ekki lengur fjarlægt eða abstrakt heldur persónuleg og nálæg. Ögrun af þessu tagi má líka finna í því að hér eru sýnd saman verk eins og myndbönd af barni og svo innsetningin af „leiðtogafundinum“. Hið póli tíska og hin sammannlega saga er alltaf í raun persónuleg og við skiljum ekkert í raun nema við getum skilið það sem hluta af okkar eigin sögu.
Þetta samtal við söguna er sterkur þráður í myndlist Þórdísar Öldu og birtist einmitt helst í „þessu smáa sem umlykur okkur“. Hún ólst upp í sveit og hversdagsstörfin eru henni hugleikin, störfin innan húss og utan og lífið sem spinnst við þessi störf. Hún dregur fram stússið við þvotta, hversdagsleg amboð og forgengilega hluti, dótið sem safnast upp í kringum okkur, járnaruslið bak við skemmuna eða smádótið ofan í skúffu sem enginn man lengur hvaðan kom.
Text by Jón Proppé from the Stolen Feathers exhibition catalogue
Þórdís Alda and the Story of Small Things
by Jón Proppé
A whole forest of trees made of rusted iron with rusty, root-like twists of iron on the floor. The leafy coiffure of the trees – if one may call it that – is made up out of newspapers, Icelandic woolen sweaters, and socks. All of the elements are familiar, but the context is astonishing; and up out of the forest stands a flaming tower, as if to show us the way. Þórdís Alda has long made use of materials of this kind – clothing, old flatirons, socks, rusty bits of iron – in her sculptures and installations. These are most often things that we use and encounter daily, without paying much attention to anything but their use. We wear socks, for example, wash them, put them away in our drawers, again and again, each week of our lives, with hardly any thought; socks are so insignificant that when a hole is worn in them we hardly hesitate when we throw them away.
“I work out of the little things that surround us”, Þórdís Alda explained in a 2004 interview. Her materials are the everyday things whose significance derives from the fact that we work with them constantly without thinking much about them, and they become integral to our daily lives without our even noticing. In the rusty forest, as in many of her earlier works, Þórdís Alda collects together commonplace elements in such a way that all at once a wonderland is formed, and out of this contradiction flourishes, all of a sudden, a welter of complex metaphors and unexpected new perspectives.
Þórdís Alda Sigurðardóttir studied art at the Icelandic College of Arts and Crafts (Myndlista- og handíðaskóli Íslands) and at the Academy of Fine Arts in Munich (Akademie der Bildenden Künste München) in the 1980’s and held her first individual exhibition in 1987. That was a period of rapid development in Icelandic sculpture, not least on account of the experiments being done by Icelandic women artists in which they used, among other things, textiles in combination with various other elements – both natural materials and man-made objects from our everyday surroundings – preferably connected with the work and environment of women. This approach seems to have suited Þórdís Alda very well, and in her works she explores the possibilities of her materials, the significance that derives from everyday familiarity, and the metaphors that appear when these objects are placed in a new context or given new roles.
The meanings of her works are both personal and astonishingly universal, for out of her materials, Þórdís Alda is able to create infinitely many stories and to deal with the most unexpected subjects, whether personal or political. It is often the most mundane objects that have, finally, the most to say about our lives and our history. Here the artist herself may appear in pictures that are arrayed together with images of endangered animals. This combination is extremely forceful and provocative: the dangers are no longer distant or abstract but personal and present.
Provocation of a similar kind is also seen in the juxtaposition of two installations, one featuring a video of a child and another representing a summit meeting of political leaders. The political, and our common human story, are always actually personal, and we do not really understand anything that we cannot interpret as a part of our own story. This conversation with history is a basic thread that runs through the art works of Þórdís Alda and appears most clearly in “the small things that surround us”. She grew up in the countryside, preoccupied with the tasks of daily life: indoor and outdoor work and the life that is woven out of work of this kind. She highlights the work of washing, the tools and instruments of our daily routine, and transient, disposable objects – the things that collect up around us, such as the heap of metallic junk behind the shed or the hodge-podge of little things in the drawer whose origins we have long ago forgotten.
Sculpture installation is very well suited to her vision and approach. In an installation, an environment is created into which we can enter or at least measure ourselves against, an environment that resembles the materials that she uses: at once commonplace and startling. Here mundane things are placed in a new context, and out of this emerges a dialogue that we immediately become a part of, precisely because the everyday environment is our own and, in large part, shared among us: All of us have socks in our drawers or hanging on the washline. What is unexpected is that, out of such things, it is possible to construct an entire, fabulous world – even a fantasy forest – thus to reveal a much greater story about our own world and our destiny.
Interview in Morgunbladid 11.th Aug, 2013
Provincial
Mér hefur alltaf fundist ég vera provincial eftir að hafa ákveðið að flytja í borg úr sveitinni sem unglingur og síðan aftur í sveit aðeins eldri af því mér fannst vanta ýmislegt inn í líf mitt sem ég fann ekki á götuhornum, kaffihúsum, verslunum, bíóum eða börum. Ég kaus reyndar sveit rétt utan við borg. Þannig get ég séð borgarlífið jafnt utanfrá sem innan, ef ég kæri mig um.
Mér finnst gott að vera aðeins til hliðar við strauminn, fara á mínum eigin hraða en fylgjast samt með hvert aðalstraumurinn fer. Svipað og hundur sem sefur þegar honum hentar, en sefur þó ekki nema með öðru auganu. Það er gott að hoppa inn í strauminn og svo út úr honum aftur þegar maður þarf að fá næði til að hugsa og taka sína eigin stefnu og ákvarðanir. Stundum fara menn á undan straumnum án þess að gera sér grein fyrir því, því það er auðveldlega hægt að hugsa á alheimsvísu liggjandi milli þúfna og horfa upp í himinblámann, allsendis ómeðvitaður um að einhver stefna eða auglýsingarmáttur hefur hrundið af stað svipaðri hugmynd og þú varst einmitt að fá, með þeim afleiðingum að milljónir manna eru í þann veginn að fara út í svipaða framkvæmd.
Menn ráða meira eigin hraða og fá fleiri tækifæri til að staldra við og skoða hvað það er sem raunverulega heillar og hentar í lífinu ef smá fjarlægð er frá möndlinum þar sem mesti og þéttasti samruninn á sér stað. Allt milli himins og jarðar getur gerst séu menn staddir í provincen. Það hljómar ótrúlega þegar menn verða hræðilega einmana á yfirfullum gangstéttum stórborga. Það mætti halda að sá maður hljóti að vera einangraður, og skorta tengsl útá við og innávið og það er einmitt þessi einangrunar ranghugmynd sem oft er lögð í orðið provincial. Því nú er öldin önnur og Rómverjar ráða ekki lengur yfir provinciallendum sínum langt frá höfuðborginni Róm. Málið er að vera í beinum tengslum við náttúruna en ekki mannlega yfirboðara.
Provinsiell text
Det känns skönt att vara lite vid sidan av strömmen, ta mig min egen tid men ändå ha möjlighet att betrakta centralströmmens flod, likt en hund som ser ut som den sover, “ando sover den inte. men sover dog slet ikke. Skönt är att kunna hoppa in i strömmen, och ut igen då jag behöver lugn och ro för tankar, för att finna mina egna riktlinjer och beslut.
Ibland drar människor iväg före strömmen utan att själva förstå det, för det är enklast att tänka universellt liggande mellan tuvor och beskåda den blå himlen, totalt omedveten om att någonstans i världen har en riktlinje eller reklammakt redan skridit iväg med liknande idé som just du fick, med en konsekvens av att måske hundredtusind människor är på väg ut i liknande projekt. Man bestämmer mer sin egen takt och får fler tillfällen att övervinna och beskåda vad det i verkligheten är som förtjusar och behövs i livet om lite distans hålls från navet där det mesta är centrerat. Allt mellan himmel och jord kan ske dem som befinner sig i provinsen.
Det kan tyckas otroligt att människor kan vara ensamma på storstadens överfyllda gågator. Man kan tro att de människorna är isolerade, en brist på förening mellan det yttre och det inre, och just denna felbild av isolering är ofta satt i samband med ordet provinsiell. Nu är ett annat århundrade och romarna råder ej längre över sina provinsstater långt från huvudstaden Rom. Provincialister kan darför känna sig som ganska fria manniskor i dag da de har all tillgang och möjlighet att dra sig tillbaka från hovedströmmen om de vill. Detta är vad jeg föredrar för att kunna skåda egna verk blant andras verk .Det er viktigt att kunna ta ut dem ur inbyrdes sammanhang I mit studio, vise dem frem och sätta dem så in i egne verkers indvendige sammenhang igen.
Þórdís Alda
Þórdís Alda Sigurðardóttir
By Eyjólfur Kjalar Emilsson
Thordis’ work is a kind of poetry. Like much of recent Icelandic poetry, it is full of everyday life and work, and familiar, everyday objects. Not that she simply lifts the everyday objects out of their context and presents them as art--à la Duchamp. Often she crafts her objects from scratch, makes entirely new things, and when she uses recognizable ordinary things, a rusty old shovel blade, for instance, they are either modified or appear as parts of a larger work. Thus, they acquire a new nature.
Certain themes and ideas appear singly or in combination in much of Þórdís’s work: one such theme is the use of opposites, perhaps most notoriously that of hard and soft. Another is winding and wound objects: e.g. a thread of a delicate material, silk perhaps, wound around a rusty old iron object so as almost to cover it—an instance of hard and soft too, of course. A third theme has to do with Time and Nature as collaborators who transform things—an activity that may also be seen as Nature’s self-healing activity. Even when there is an environmentalist statement in Þórdís’s work, I never have the feeling that she sees Nature as seriously threatened. Her faith in mother Nature is far too strong for that.
Even when she makes use of unmodified old junk, Þórdís is a superb craftsman: Her art is thoroughly thought through and leaves nothing to chance; it is made with an unerring, delicate sense of form, colour and material. The result is that her world of familiar, everyday things, transformed and placed in a new setting, evokes in the spectator a peculiar mixture of feelings: there is that of old familiarity and at the same time that of surprise and strangeness at the transformation of the ordinary.
The strangeness is not there just for the sake of strangeness. The exact way in which Þórdís’s things are transformed has a symbolic dimension, actually often a double symbolic function: there is a reference to the outer world: to the ordinary function of the objects, to the environment, or whatever the subject might be. At the same time it is hard to escape the thought that, as in many a powerful poem, there is also a reference to the psyche, that her transformations express moods, tensions, obsessions. All this, however, is skilfully made non-obvious, alluded to rather than cried out.
© Eyjólfur Kjalar Emilsson
Mega Vott / Íslenska
Anna Eyjólfsdóttir, Jessica Stockholder, Ragnhildur Stefánsdóttir, Rúrí og Þórdís Alda Sigurðardóttir eru stórvirkir listamenn sem fást við stórverkefni á þessari sýningu. Þær birta okkur heiminn sem framkvæmdasvæði þar sem uppbygging jafngildir niðurrifi og niðurrif felur í sér uppbyggingu, hvorugt getur án hins verið. Skapa, byggja, rústa, eyða, áfram og aftur.
Þórdís Alda Sigurðardóttir setur á svið þvottahús, nokkurs konar mega (þ)vott. Tromlan í vélinni snýst eins og jörðin sjálf. Vatnið rennur í breiðum bunum, skolvatnið freyðir, vélin tæmir sig og þeytir þvottinn. Hann hrúgast upp, verður að fjalli og úr iðrum þess hljómar söngl um fegurð jarðarinnar. Megavöttin streyma til að knýja áfram þessa sífelldu endursköpun veruleikans. Hornin á skápunum í þvottahúsi veruleikans gefa því dýrslegt yfirbragð líkt og þvottavélin sé eins og naut í flagi og hreinsunin at í foraði. Og verkið vekur fleiri hugrenningartengsl. Ein þekktasta skilgreiningin á list kemur frá Aristótelesi, en samkvæmt henni er það hlutverk hennar að vera katharsis, einskonar tilfinningahreinsun. Listin setur á svið tilfinnigahlaðna atburði sem áhorfandinn lifir sig inn í og fær þannig útrás fyrir eigin tilfinningar. Mann grunar að Þórdís leiki sér að þessari megaskilgreiningu listarinnar og fari með hana í óvænta átt með megaþvottinum. Hugsanlega er hér á ferðinni hvatning um að hreinsa til á listasenunni með því að grafa upp og þvo plögg sem hafa dagað uppi í þvottakörfunni.
Jessica Stockholder virðist líka gramsa í haugum veruleikans. Hún er meðvituð um að innkaupapokarnir sem við rogumst með heim í dag verða bornir út að ári til að rýma fyrir nýjum. Hún tekur fjöldaframleidda hluti sem frá upphafi bera í sér þau örlög að vera sorp morgundagsins, lagar þá til og stillir upp í stórbrotnu samspili ljóss og lita. Þannig fær hver einstakur hlutur að njóta sín þótt hann sé fljótt á litið alveg eins og allir aðrir hlutir sem eru á boðstólum. Jafnframt má sjá í þessu andóf gegn því að líta á hluti einungis sem vöru og okkur bara sem neytendur. Óræð heiti verkanna undirstrika viðleitni Stockholder til að hnika til og leysa upp viðtekin merkingarmynstur. Hún gefur hlutunum sjálfum aðra verufræðilega stöðu en við eigum að venjast. Þetta sést í mótsagnakenndu heiti verksins sem hún sýnir hér. „Air Padded Table Haunches.“ Borðin hafa eitthvað með hugboð að gera í verki hennar og virðist hún þar með gefa í skyn að jafn beinharður efinislegur hlutur og borð sé ekki síður andlegur veruleiki. Hún rústar tvíhyggju efnis og anda enn frekar með heiti verksins sem segir að borðin séu fóðruð með lofti.
Í verki sínu „Megasjálf“ fer Ragnhildur Stefánsdóttir ekki ósvipað að með líkamann. Mörk efnis og anda, innra og ytra, náttúru og tækni leysast upp. Jafnframt fer hin hefðbundna aðgreiningu á mér og hinum á flot. Sjálfið takmarkast ekki við þetta „ég.“ Það er sífelld verðandi, samansafn úr mörgum lögum liðinnar reynslu og ókominna fyrirætlana. Það mótar fyrir þessum lögum í fatabútum sem hafa markað útlínur einstaklingsins á mismunandi æviskeiðum. Sjálfið hefur enga miðju eða kjarna; það eina sem tengir hin ólíku lög saman er tilbúningurinn sem við köllum ævisögu okkar og ímyndunaraflið sem flakkar um í rúmi og tíma. Þetta „ég-sjálf“ er eins og varða sem við reisum til að aðgreina okkur frá hinum. „Ég-sjálf“ vísar því ávallt til annarra og er um leið bara skeið í lífi sem nær aftur fyrir fæðingu og út fyrir dauða okkar sem einstaklinga. Ragnhildi er hugleikið að myndgera hvernig sjálfið rennur saman við allt sem er. Hún horfir á orkuna sem er að verki í öllu, mönnum, hlutum, vélum og náttúrunni, og við eigum hlutdeild í og skapar tengsl milli alls þessa.
Verkin sem Rúrí leggur til þessarar sýningar nálgast kvikuna í sársauka sem ristir samtímann. Í myndbandsverki um stríðshrjáð svæði Bosníu-Hersegóvínu er áhorfandinn leiddur inn í myrk göng um martraðarstaði. Stríð eru mega-lausnir sem geta af sér tortímingu. Hér gefur einnig að líta myndir af fossum sem senn verður sökkt og munu hljóðna, fossamyndir á brotnu gleri. Verkin leiða okkur áþreifanlega fyrir sjónir að virkjanaframkvæmdirnar á hálendi Íslands eru hernaður gegn landinu. Þau minna okkur á að öflin að baki framkvæmdanna eru samtvinnuð þeim megaöflum sem af skeytingarleysi fótumtroða jörðina. Í ljósmyndaröð gefur að líta steina sem orð þjóðsöngsins voru greypt í og voru lagðir á jörðina við Eyjabakkagjörning. „Ó“-ið á fyrsta steininum er ekki lengur upphafið áhersluorð í lofsöng um óspjallaða náttúru Íslands heldur skelfingaróp. Megaframkvæmdin verður að „ómega“, að endalokum ósnortinna víðerna sem eru hjarta landsins. Í þessum verkum Rúríar blasir við eyðileggingarmáttur mannsins. Þau minna líka á að öflin sem mestu ráða heilaþvo almenning og etja svo saman þjóðarbrotum, eins og í Bosníu, eða borgarbúum og íbúum landsbyggðar, eins og á Íslandi. Hermönnum var att út í dráp og nauðganir með öfgafullri þjóðernishyggju, og hálendi Íslands er rist upp í þágu auðhringa. Verkin vekja upp löngun til að staldra við, skoða, ígrunda, vinna úr, draga lærdóm af og vitkast.
Anna Eyjólfsdóttir beinir í innsetningu sinni sjónum að þörf mannsins til að byggja. Risavaxin steypumót sem Anna stillir upp virðast hrópa „meira, fleira, stærra, hærra, flottar, glæstar, hraðar, oftar.“ Það er ekki hægt annað en að dást að þessari virkni og krafti. Hlutir fylla rýmið, en samt er eiginlega allt of mikið af öllu, allt yfirfullt. Á móti ofgnóttinni stillir Anna síðan upp hlutum sem minna á hungur, skort og neyð. Steypumótin sýna að það eru tvær hliðar á hverjum múr. Gæðum er misskipt innan múra og utan. Með verki sýnu gefur Anna í skyn að það séu engu að síður afarkostir að vera annað hvort innilokuð eða útilokuð.
Eins og fleiri verk á sýningunni gefur innsetning Önnu til kynna að við erum ekki bara „ég um mig frá mér til mín“, heldur „ég um þig frá ykkur til okkar.“ Við erum hvert öðru háð og í sama báti. Ef við gerum okkur betur grein fyrir því getur það breytt ýmsu. Hins vegar er ekki til nein mega lausn á því hvernig hægt er að draga úr misrétti og kúgun. Heildarlausn er hvorki möguleg né æskileg. Það er líka barnaskapur að halda að það nægi að byrja að breyta sjálfum okkur til þess að heimurinn batni. Jessica Stockholder hittir naglann á höfuðið þegar hún skrifar að hún sjálf hafi ekki fundið sig í togstreitu lausnarhugmynda amerískrar menningar sem hún segir klofna milli skýjaborgahugsjóna annars vegar og pragmatískra hugmynda um lausnir á aðsteðjandi vanda hins vegar. Annað er of loftborið, hitt of andlaust. Því veðjar Stockholder í list sinni á sköpunarkraft og útsjónarsemi. Hún notar þau efni sem eru fáanleg til þess að ljúka verkinu og skapar í leiðinni eitthvað sem hefur ekki sést áður, sem virkar og felur í sér fyrirheit um eitthvað betra. Listin er að skapa eitthvað sem getur leitt til breytinga, sem getur verið frjótt andóf gegn ofríki ráðandi afla. Þess vegna er sýningin Mega vott, allt í senn, orkustöð, tilraunastofa, byggingasvæði, samtímaspegill og endurvinnsla.
Sigríður Þorgeirsdóttir
Mega Vott / English
At first sight, the title of the exhibition “Mega vott” sounds like slang from English, an exclamation of “Mega what!?”, and should be followed by a question mark or an exclamation. The artists exhibiting under this title choose, however, not to narrow down its meaning in this manner. Perhaps that’s because the shock factor, one of art’s main rhetorical devices in the twentieth century, has worn itself out. So have exclamations of outrage and moralistic doubts towards the Zeitgeist. Mega this and mega that, bigger, better no longer surprises anyone and the pointed index finger of moralists who urge us to pause and watch our gleeful steps seems as effective as a bicycle bell on a roaring jumbo jet.
Our globalized world is characterized by mega-solutions, large-scale industries and all-encompassing technological systems that we find as natural as a cup of coffee in our kitchen at home. In world politics a cold war rages again between mega-powers and mega-ideological systems accusing each other of mega-evil. The mega-businesses offer market-friendly total solutions for the whole world, which at the same time seems to be turning into a village. This complicates things. Reality becomes a mega-reality where the boundaries between “them” and “us” become blurred, whether it’s the boundaries between here and there, national and international, material and spiritual, humans and animals, life and technology, which is a part of us just as we become part of it. The world flows into us and we flow into it.
Anna Eyjólfsdóttir, Jessica Stockholder, Ragnhildur Stefánsdóttir, Rúrí and Þórdís Alda Sigurðardóttir are large-scale artists dealing with large-scale projects in this exhibition. They present the world as a production site where build-up equals tear-down, one dependent on the other. Creation, construction, demolition, destruction, again and again.
Þórdís Alda Sigurðardóttir stages a laundry room, a kind of mega-laundry. The drum in the machine turns like the earth itself. The water pours out of it in wide streams, it foams, the machine empties itself and spins the laundry. It piles up, becomes a mountain and from its core a chant on the earth’s beauty sounds. Megawatts power the continual recreation of reality. The animal horns mounted on the cupboards in the laundry room give it an animalistic appearance as if the washing machine were a bull wallowing in mud. And the work evokes further trains of thought. One of the best-known definitions of art stems from Aristotle, but according to it, art’s role is to be a catharsis, a cleansing of one’s emotions. Art stages emotionally charged events, which the spectator experiences and thus is purged of her own emotions. One suspects that Þórdís plays with this mega-definition of art and takes it in unexpected directions with her mega-washing process. It’s possibly an encouragement for a clean up of the art scene by digging up and washing clothing that has disappeared in the laundry basket.
Jessica Stockholder also seems to dig into the rubbish heaps of reality. She’s aware that the shopping bags that we bring home today will be taken out in a year’s time to make space for new things. She takes mass-produced things that in their very creation are destined to become the rubbish of tomorrow; she fixes them up and places them in a spectacular interplay of light and colour. In this way, each object gains value although at first glance it looks like any other object on offer. At the same time one can see an opposition to viewing objects merely as a commodities and viewing us exclusively as consumers. The unfathomable titles of the works underscore her attempt to unsettle and dissolve accepted patterns of meaning. She gives objects a new ontological position than we are used to. This is visible in the contradictory title of the work exhibited here, “Air Padded Table Haunches.” The tables have something to do with premonitions in her work and she seems to imply that a concrete material object such as a table is no less a spiritual reality. She demolishes the dualism of matter and mind even further with the title of the work, which tells us that the tables are padded with air.
In her work “Megaself” Ragnhildur Stefánsdóttir applies similar means to the human body. The boundaries between material and spirit, inside and outside, nature and technology are dissolved. So are the traditional differentiations between “myself” and “others”. The self is not limited to “myself”. It is continually becoming something, a collection of many layers of past experience and unmade plans. These layers are visible in shreds of clothing that have defined the silhouette of an individual at different life stages. The self has no middle or core; the only thing that connects these different layers is the fabrication we call our “life story” and the imagination that moves through time and space. This “me-self” becomes a cairn that we raise to separate us from others. “Myself” therefore always points to others and is just a stage in a life that extends to before our birth and beyond our death as individuals. Ragnhildur is intent on metaphorizing how our self is merged with everything that exists. She observes the energy in everything – humans, objects, machines, nature and ourselves – and creates a connection among all of them.
Rúrí’s contribution to this exhibition touches the core of the pain of our contemporary times. In a video work on the war-torn regions of Bosnia-Herzegovina the spectator is led through a dark tunnel of nightmarish places. Wars are mega-solutions that lead to destruction. Here you can also see photos of waterfalls about to be made quiet, photos of broken glass. The work shows us in a tangible way that the dam project in Iceland’s highlands is warfare against our own country. It reminds us that the powers behind the construction project are connected to the mega-powers that carelessly tread over our earth.
A series of photographs shows us stones where words from the national anthem have been inscribed, stones placed on the earth at Eyjabakkar. The “Ó” on the first stone is no longer the beginning of an exclamation in praise for Iceland’s unspoilt nature, but a cry of anguish. The mega-construction becomes an “omega”, the end of the untouched wilderness that is the heart of Iceland. In these works the destructive power of man is evident. They also remind us that the powers that rule brainwash the public and divide people, such as happened in Bosnia, or in Iceland with the division of the rural and urban population on the issue of the dam. Soldiers in Bosnia were urged to kill and rape with extreme nationalistic thinking, and the highlands of Iceland are destroyed for multinational corporations. The works evoke a longing to stop by, to look at, to contemplate and to learn from.
Anna Eyjólfsdóttir, with her installations, points her vision to man’s need to construct. Gigantic concrete moulds seem to shout, “More, bigger, higher, better, faster.” It is impossible not to admire all this power. Objects fill up space, but still there’s just too much of everything, everything overflows. On the opposite side of this surfeit Anna places objects that reflect hunger, need and desperation. The moulds show that there are two sides to each wall. Goods are unequally divided within walls and outside them. With her work, Anna implies that both conditions are bad options, whether you’re inside or outside.
As with further works at the exhibition, Anna’s installation implies that we are not just “me myself and I,” but “me about you from you to us.” We are all dependent on each other and in the same boat. If we realize this we can change things. But there are no mega-solutions on how to stop injustice and oppression. A one-solution-for-all is neither possible nor desirable. It is naïve to believe that it is enough to change ourselves for the world to become better. Jessica Stockholder hits the nail on the head when she writes that she has not been able to find herself in the conflict of ideas on resolution in American culture, which she believes to be divided between idealistic ideas on one hand and pragmatic ideas on impending problems on the other. The former is too airy, the other too spiritless. Therefore Stockholder prefers to bet on imagination and resourcefulness with her art. She uses available materials to finish her work, at the same time creating something new, which functions and offers the promise of something better. Ingenuity means creating something that leads to change, that can be a creative opposition to the tyranny of controlling powers. Therefore the exhibition is, all at once, a power station, a laboratory, a construction site, a mirror of our times and a recycling plant.
Dr. Sigridur Thorgeirsdottir
Mega Vott: Objects and Roles
“I look back. I do so because I like to have firm ground under my feet, to know and try to understand where I come from, why and how the past is shaped like it is, and to see how time affects people’s life and work. That sounds like a security council for a united past, present and future.”
These words spoken by Þórdís Alda Sigurðardóttir tell us a lot about the temperament of her work. She evokes a sense of times long passed but also connected to the passing hour. In her quest for material, Þórdís collects utensils from her environment, both those that have aged into old scrap iron that has almost been welded into the landscape, and personal objects retrieved from acquaintances. She picks up these objects and examines them, places them in a new context and then connects them back into time. All these items have one thing in common: they have been left behind by us, whether it be out in nature or at the bottom of a drawer. Their role is finished, they’ve been abandoned but they’re still with us, dispersed in our environment. They raise questions about our consumer society and its exponential growth. This rapid consumption leaves traces that become more and more noticeable as time goes on. If we look forward we realize that consumption speed will only increase, a message transmitted to us from the present. Germination, Overflow and Kitchen Life (2004) are all on the subject of the relationship between man and nature, and on the effects of man’s consumerism on nature. The traces man leaves behind, how he weighs down the earth with his rich and rapid consumption.Þórdís interprets nature in her work, mainly from the idea of Mother Earth, man who is dependent on nature because it breeds and nurtures him. Rest (1984) is in essence a simple poetic fantasy – where a light blue bed covered with grass floats on a pond. The grass symbolizes vegetation and the base for all life. Rest is important to man, not only to regain physical energy but to create mental calm and ability to roam and be nourished with ideas. Dream Feathers (2004) was created through her certainty that a dreamy vision of the mind is as necessary to man as the all-encompassing love and compassion of motherhood. The vision exalts, and brings a new vision or new world to humans. In a similar vein, in Moment (1998), Þórdís projects the question of what it is that drives us. Fruit and vegetables are tied above a bed like bait and we wonder what it really is that raises us out of bed and makes us face the day? Cut, which was featured at the outdoor exhibition in Dalland at the same time as Rest in 1984, shows vegetation as a covering layer on earth’s surface. An oversized needle has been stuck into the grass in the middle of a field but a nearby ditch has been stitched together with a rope. The meaning is obvious; it portrays the artist’s great love for Iceland’s nature, which continues to inspire her. The presentation is not without humour, but the work is typical for the methodology that Þórdís has made her own, drawing out meaning and criticism with a dose of humour.
Iceland’s thousand years was made for an outdoor show by the Icelandic Association of Sculptors in 1998. An embankment made from white canvas bags full of sand were piled up at the coast in Reykjavík. Each bag bore the inscription Íslands þúsund ár ( Iceland´s thousands years) which is a line from the national anthem. The presentation undoubtedly points to the importance of defences, the piles of sandbags are reminiscent of mountains and the inscription refers to the nationalistic romanticism of earlier centuries. The dangers featured in the work wear many cloaks. Íslands þúsund ár refers in a wide sense to national defences, defence for vegetation, against wind, against flood. To counter this danger, one has to replant the earth, take care of it and guard the right mindset towards it. Placing the work by the coast bears a romantic reference. It is a place where different forces meet and clash with the ever-changing turbulent ocean. These opposites, the soft and the hard materials, are something Þórdís creates in many works, especially in her bas-reliefs (for example Merger (1994),Shreds (1997)). It takes great precision to combine such materials in a successful manner and tension is created when Þórdís connects soft, pliable materials with heavy, dense ones.
The exhibition Washing and Cleansing from 1998 and installation with the same title, from 1998 is a controversial piece on war. In it one can find strong references to the role that women play so often during times of war – the role of the healer. After bombs rain down, women are there to help the sick, they nurse, clean and rebuild. The part of the exhibition that especially dealt with washing and cleansing made one think of the chemical process that washing is today. It has become a threat to our natural environment. Facility (1997) strikes a similar note. The main theme of the work is how humans and human actions leave traces in nature and how manmade structures are joined to untouched nature. In the work Storytellers, which was exhibited in Australia in 2001, Þórdís contemplated the common heritage of the world, a heritage not based on history or culture, but in our nature. On the Australian coast she set up a table with Icelandic and Australian sand in linen bags. The sand symbolized these two different places and the poetic image of the work was also obvious in the living environment created by the sea. It erodes cliffs in very different places and connects continents. The symbolic presentation of the work belies a message of peace with the proof that no one place is superior to another.
Þórdís examines many contemporary issues in her works. In them one can find a poetic interpretation or a powerful message, depending on how she approaches the materials for her work. She contemplates the connections between man and nature going back to the time when humans wrote poetry to nature with awe or prayer. Her need to look at these connections is also a way to raise many important questions on the increasing burden that man is on nature. Not only man’s incessant consumerism but his intrusion and attack on many of the sanctities of the natural cycle, threatening all balance.
Harpa Þórsdóttir.
Hreint og Hvítt
Það sem grípur huga hennar á ferðalögum verður að fá sinn tíma til að meltast vel og lengi ef það á að skila sér í verkum hennar. Hún leitar eftir samspili andstæðna og tjáir sig þá oft með einhverju kunnuglegu úr heimahögunum sem sett er í óvanalegt samhengi.
Er kemur að því að Þórdís íklæðist nepölskum munkakufli þá lítur hún jafnsannfærandi út og þegar hún er í reiðbuxum og ullarpeysu.Vegna þess að hún aðlagar hið framandi að sér og sjálfa sig að hinu framandi þá metur hún mikils ef skoðandinn getur fundið sjálfan sig í verkunum sem hún gerir og upplifað eitthvað í gegnum þau, út frá eigin reynslu eða minningum.
Að loknu kennaraprófi frá Kennaraskóla Íslands nam Þórdís Alda myndlist við Myndlistarskólann í Reykjavík, seinna við Myndlista- og handíðaskóla Íslands (1980- 1984, skúlptúrdeild) og loks við Listaakademíuna í München. Hún hefur haldið níu einkasýningar og tekið þátt í fjölmörgum samsýningum úti og inni, hérlendis og erlendis. Þórdís Alda hefur komið að rekstri tveggja gallería í Reykjavík sem bæði hafa verið starfrækt af myndlistarmönnum; Gallerí Gangskör og STARTART á Laugavegi. Hún er félagi í SÍM og Myndhöggvarafélaginu í Reykjavík og hefur unnið að ýmsum félagsmálum sem varða myndlistarmenn, svo sem dómnefndarstörfum, sýningarmálum og fleira. Undanfarin ár hefur Þórdís starfað með hópi norrænna myndlistarmanna, sýningarstjóra og fræðimanna sem kalla sig The Provincialists, en sá hópur hefur m.a. staðið fyrir málþingum og sýningum hér á landi, í Noregi og Færeyjum.
Þórdís Alda fer um marga heima, ( þó á heimaslóðum sé ) í verkum sínum. Sum verkanna bera með sér svipmót bændasamfélagsins sem færir henni iðulega efnivið í fang. Hún arkar stórstíg um tóftir og tún, hirðir upp tól, verkfæri og minjar liðins tíma. Hún umvefur þetta dót, nærir og yljar því með því að setja það í fitu og ull og binda það stundum saman með ryðguðum gjörðum. Einnig lætur hún greipar sópa um dótaskúffur samferðarmanna sinna eins og verkið „Yfirfall“ frá 2004 er til vitnis um. Hún bjargar stöðugt hlutum sem hafa úrelst og orðið gagnslausir frá vanrækslu og skeytingarleysi.
Kannski til þess að þakka fyrir bjargir fortíðar og virða hlutveruleika nútímans fyrir sér. Þórdís óhreinkar sig með gramsinu, fær svertu í kringum nefið, hárið fær á sig ryk- og öskugráma og hendurnar verða grútskítugar af því að handleika tólin. Fortíðarbragurinn verður notalegur, ekki sökum eftirsjár heldur vegna feginleika. Það er gott að hafa tekist að lifa af og að hafa náð að krafsa sig út úr grómi og skít.
Af þeirri sömu útsjónar- og atorkusemi sem gerði fólki kleift að komast af við fábreyttar aðstæður er haldið áfram að puða og strita á okkar tímum. Nú er það ekki neyðin sem rekur okkur áfram. Það er eitthvað annað, en engu áhrifaminna. Við erum rekin áfram líkt og værum við þrælar keyrðir áfram með svipuhöggum. Það sem er ólíkt fyrri tímum er að sá sem sveiflar svipunni býr innra með okkur sjálfum. Okkur finnst við aldrei gera nóg og aldrei gera nógu vel. Við erum sífellt haldin samviskubiti um að við gætum gert meir og betur. Okkur finnst við þurfa að fara í gegnum hreinsunarelda til að sanna okkur, til að sýna að við stöndum okkur. Vinnan verður að sáluhjálp og endurlausn. Hún verður hreinsunareldurinn sem við höldum að við þurfum að fara í gegnum til að verða hólpin.
Eldur vermir, gefur kraft og eyðir á sama tíma. Heimurinn er síkvikur eldur að dómi hins forngríska, myrka spekings Heraklítosar. Við erum okkar eigin eldur, kveikjum í okkur og fuðrum upp. Byggjum upp og rífum niður. Nærum og eirum engu á sama tíma. Annar og yngri heimspekingur, Walter Benjamin, líkti framþróun mannkynssögunnar við stöðuga eyðileggingu. Öll uppbygging er á kostnað eyðileggingar einhvers annars. Þess vegna er framfarasaga jöfnum höndum saga niðurrifs.
Sumir faðma tré til að reyna að bjarga skógum á meðan aðrir stýra stórtækum vinnuvélum til að ryðja sömu skóga. Mennirnir þurfa trjávið til að hafa skjól og hita en kafna án skóga. Búa kannski tvær sálir í sama hjarta? Jafnvel þegar við teljum okkur vera að byggja upp eða hreinsa eigum við til að gera það þannig að við ofgerum hlutunum. Þetta hugleiðir Þórdís með verki sínu um stórvirka þvottavél sem pundar út úr sér nýþvegnum þvotti og hleður upp fjalli af hreinu taui. Tromlan snýst án afláts í eilífri endurkomu hins sama. Þvottafjallið teygir sig til himins en pýramídalögun þess minnir líka á hýsi sem geymir gröf, dauða og dulmagn. Dulmál þess ómar í söngli sem kemur upp úr iðrum þvottahrúgunnar: „Fífilbrekka gróin grund.“ Ef við þýðum vísubrotið yfir á myndmál samtímans þá sýnir það eiturgræn tún, skærgul, bísperrt blóm og ofurbláan himinn sem eru bakgrunnur fyrir þvottasnúrur prýddar hvítum, blaktandi þvotti líkt og í ARIEL-sjónvarpsauglýsingum. Sönglið úr undirdjúpunum er hálfkæft af fargi þvottahrúgunnar og er jafnframt hinn þungi undirtónn skrumsins á yfirborðinu.
Dr. Sigríður Þorgeirsdóttir
Footprints on the Galaxy
Jeg er på vei gjennom himmelhvelvet med mine grønne fine sko og hvor hen jeg ser, øyner jeg noe kjent. Der er han, og der er han andre. Dette er rødt og dette er blått. Et langt og et annet kort.
Fuglene synger høyt fordi solen har gitt dem et løfte om en god dag. Utsikten er uimotståelig og jeg har lyst å dra langt, et sted jeg neppe kan komme til, et sted hvor jeg blir usynlig, gjerne til månen eller Mars.
Omkring meg dufter utallelige vesener, men luften er også mettet av diverse miljøgifter som man har etterlatt i luften og på land. Denne blandingen blir kalt for atmosfære.
Jeg er en heldiggris for jeg har kommet på hesteryggen til min hest Ljosfari og på den ene siden av oss er månen og på den andre siden er sola. Vi er både bittesmå der midt ute i veien mellom disse romgigantene og store og klossete når en mygg smyger seg inn i øyet mitt.
Naturen sier at nå kommer våren. Det ser ut som alle veier er åpne for oss og i felleskap med så mange på den lange reisen, både de usynlige og de synlige og de nærme og de som er langt borte, de store og små, er det mulig å tenke seg at noe som bidro positivt for livet på denne planeten.
Hennes reise er kontinuerlig fra start til slutt. Hvor er vi på denne reisen?
Þórdís Alda Sigurðardóttir 2006
Ég er á leið um himinhvolfið á grænu fínu skónum mínum og hvert sem ég lít, ber eitthvað kunnuglegt fyrir sjónir. Þarna er þessi og þarna er hinn. Þetta er rautt og þetta er blátt. Eitt er langt og annað stutt.
Fuglarnir syngja hástöfum því sólin hefur lofað þeim góðum degi.Útsýnið er ómótstæðilegt og mig langar að fara langt út í buskann, helst þangað sem ég kemst varla, kannski þangað sem ég verð ósýnileg, jafnvel til tunglsins eða Mars.
Í kringum mig anga óteljandi lífverur en loftið ber líka keim af margvíslegum eiturefnum sem hafa verið skilin eftir í lofti og á láði. Blandan sú nefnist í daglegu tali andrúmsloft.
Ég er lukkunnar pamfíll því nú er ég komin á bak hestinum mínum Ljósfara og öðru megin við okkur er tunglið en hinummegin sólin. Við erum bæði agnarsmá þarna á miðjum veginum, milli þessara tveggja geimrisa, og líka stór og klossuð þegar mýfluga flýgur inn í augað á mér.
Náttúran segir að nú fari senn að vora.
Okkur virðast flestir vegir færir og í samfylgd svona margra á langri leið, bæði hinna ósýnilegu og sýnilegu, nálægu og fjarlægu, stóru og smáu, skyldu menn ætla að hægt væri að læra eitthvað sem kæmi sér vel fyrir líf þessarar plánetu.
Ferðalag hennar er óslitið frá upphafi til enda. Hvar erum við stödd í því ferðalagi?
Þórdís Alda Sigurðardóttir 2006